Jogar: Street Fighter 2 – Arcade – 1991 (e dezenas de remakes/ports)
Por que?
Street Fighter é uma das mais famosas e bem sucedidas franquias de jogos luta, tanto comercialmente quanto junto à crítica: são dezenas de jogos diferentes na série principal e diversos spin-offs, animes e filmes, dispensando apresentação para qualquer gamer mais sério.
Poucos jogos podem ser considerados como alicerces de um gênero, mas Street Figher 2 não só foi o jogo mais importante na evolução do estilo, como ainda hoje muitos jogos usam os mesmo fundamentos básicos criados por ele, alguns destes sem querer, como os combos que na verdade não estava previsto e no inicio foi considerado um (benvindo) bug, não é exagero dizer que apenas com a introdução de jogos de lutas 3d é que houve uma segunda grande mudança no género. Além de, tecnicamente, ter sido o pai dos jogos de luta 2d modernos, ele também foi o responsável pelo primeiro “boom” de jogos de luta, virando febre em todos os arcardes e abrindo caminho para uma invasão de outros jogos de luta, fazendo com que o género dominasse os arcardes do mundo durante muitos anos.
Apesar de ser um dos pioneiros, SF2 é relevante e “jogavel” ainda hoje, por dois motivos bem simples: a qualidade do jogo bem à frente de sua época e também à Capcom manter bem “puro” o sistema da série, optando em fazer mudanças bem graduais de um jogo para o outro, preferindo fazer experimentos com outras séries ou mesmo copiando o que deu certo em outros jogos. Alguns personagens continuam praticamente iguais nas versões atuais ao que eles eram no SF2, mantendo assim uma sensação de “eu já sei jogar isso/conheço isso” para quem já jogou, além de ser um excelente “entry point” para quem quer se aventurar nos jogos de luta, pois é bem amigável no inicio e tem uma profundidade para quem quiser se dedicar antes de passar à outros jogos.
Por isso todos os gamers precisam jogar pelo menos uma vez SF2, pois não é qualquer jogo que pode ser considerado tão importante para um género, isso sem falar que é muito divertido de se jogar contra amigos (e inimigos) e está presente em praticamente todas as plataformas modernas com remakes, consoles virtuais e afins.

Atualmente o RPG é um dos gêneros mais proeminentes na indústria, com valores de produção e vendas milionárias, mas, curiosamente, a origem dos jogos eletrônicos de RPG’s é tão antiga quanto a própria história dos videogames, apesar da aparente complexidade requerida. Nos anos 70, alguns anos depois da invenção do lendário Pong, alguns entusiastas dos RPG’s de papel e lápis implementaram as regras dos livros em programas de computador na forma de jogos. Esses jogos eram simples em interface e mecânicas, e apesar de não serem viáveis comercialmente, estabeleceram o precedente. Baseados nesses princípios, no começo dos anos 80, surgiram duas séries que iriam estabelecer os fundamentos de todos os jogos de RPG atuais, as reverenciadas séries Ultima e Wizardry. E assim, inspirada nesses jogos, surgiu uma série que iria moldar toda a filosofia de RPG japonês, o chamado JRPG: Dragon Quest.

Dragon Quest é uma das franquias de videogame mais amadas do Japão. Na foto: Luida’s Bar, em Tokyo, um restaurante temático com decoração e pratos baseados na série.

RPG’s japoneses sempre tiveram o estigma de se apoiarem em mecânicas relativamente datadas como encontros randômicos, mas pouco a pouco foram mudando a sua jogabilidade. Entretanto, esse não é o caso com Dragon Quest: enquanto séries como Final Fantasy implementaram mudanças progressivas, DQ manteve relativamente as mesmas convenções em todas os jogos da franquia. Parte disso se deve ao fato de que, ao contrário de por exemplo FF, aonde os diretores, compositores e artistas foram mudando a cada iteração, os nomes principais por trás de DQ sempre se manteram constantes ao longo da sua história. Cuidando do design e do cenário temos Yuji Horii, na parte musical temos Koichi Sugiyama e nos designs de personagens e monstros Akira Toriyama (criador de Dragon Ball), e esse mesmo time se manteve constante durante os 23 anos da série.

A arte de Toriyama é sempre prontamente reconhecível

Devido a essa homogeneidade, Dragon Quest é uma série que é a própria definição de tradicional nos mundo dos games. Mudanças são implementadas de modo incremental milimetricamente, com duas iterações aparentemente iguais entre si, e mesmo depois de nove jogos algumas coisas permanecem inalteradas, como por exemplo alguns efeitos sonoros, que são os mesmos usados há mais de duas décadas e os designs de monstros, que apesar de terem sido transplantados para 3D, ainda tem a arte imediatamente reconhecível. Assim, ao longo dos anos, essa familiaridade ajudou DQ a conquistar o título de série de RPG mais popular do Japão, pois com ou sem crise, cada título é garantia de milhões em vendas.

Apesar de todo esse sucesso na sua terra natal, a série nunca foi muito popular no ocidente. A principal razão dessa divergência é largamente uma fundamental diferença cultural refletida nas mecânicas da série. Dragon Quest é um RPG que recompensa paciência e planejamento, com uma progressão sempre lenta mas constante. Durante o jogo, frequentemente uma nova caverna ou castelo tem inimigos que são muito mais poderosos do que os seus personagens, e assim você é encorajado a enfrentar batalhões de monstros mais fracos até aumentar de level (“grinding”). Isso reflete uma faceta da filosofia oriental que recompensa persistência com a certeza de alcançar o seu objetivo, e esse aspecto é algo que está intrinsecamente ligado à série. Por outro lado, no ocidente as pessoas são encorajadas a serem mais proativas com o objetivo de conseguir recompensas mais imediatas, e por isso a aproximação lenta e deliberada de DQ não caiu no gosto popular. O resultado final dessa divergência foi o surgimento de um gênero mais adequado aos gostos ocidentais, e assim foi criado o WRPG.

Mas essas diferenças não significam q a série é totalmente inacessível para nós do ocidente, muito pelo contrário. Com a disposição certa e uma dose de paciência, certamente você irá apreciar os jogos pelo que eles são: exemplos brilhantes de design, com uma rica mitologia e trilhas sonoras maravilhosas que são uma verdadeira obra de arte. Dragon Quest prova que ser tradicional não significa ser retrógrado, e no meio de tanto artificialismo na indústria atual, consegue ser uma das poucas séries que ainda evoca um sentimento de autenticidade e genuína nostalgia.

Kraftwerk (pronuncia-se “Kraftvárk”) é um grupo musical criado nos anos 70 cujo estilo eletrônico experimentalista influenciou toda uma geração de entusiastas de música eletrônica pelo mundo, e que ainda influencia e cria ramificações musicais até os dias atuais.

Nascido no fim dos anos 60 no Conservatório Musical de Düsseldorf pela amizade de Florian Schneider e Ralf Hütter, dois estudantes simpatizantes do Krautrock (movimento musical experimentalista alemão da época, onde artistas aplicavam técnicas e idéias pouco ortodoxas para produzir sons e padrões musicais) estes inaugurariam e conduziriam os trabalhos do grupo pelo caminho eletrônico com o uso de sintetizadores analógicos e órgãos.

Seu primeiro trabalho comercial, “Autobahn”, vinha com uma faixa de incríveis 23 minutos de ambientações e atmosferas criadas artificialmente com apetrechos eletrônicos e sintetizadores de forma que o ouvinte tinha a impressão de estar realmente viajando pela auto-estrada alemã (lembro-me até hoje do vinil que eu e meu irmão tínhamos, a faixa ocupava todo um lado do disco!). Outra faixa deste mesmo álbum, “Kometenmelodie 2″, tornou-se um dos primeiros clássicos eletrônicos do mundo. Com o sucesso comercial de Autobahn, a dupla investe no ‘upgrade’ de seu estúdio caseiro, o Kling Klang Studio, e os percussionistas Wolfgang Flür e Karl Bartos juntam-se ao Kraftwerk para o primeiro tour promocional do álbum.

O próximo álbum, Radioactivity (Radio-Aktivität) traria atmosferas etéreas e as primeiras experimentações sônicas, com faixas como “Geiger Counter”, “Radioland”, “Airwaves”, “The Voice of Energy”, “Transistor” e “Ohm sweet Ohm”. O uso de vocoders, sequenciadores e o uso e abuso de moduladores de frequência e osciladores já era presente em todo o álbum – e com base nessa identidade musical o grupo seguiria em diante com composições cada vez mais experimentais, adicionando às faixas trechos sampleados de estações de rádio e TV, toques de telefone, máquinas de telex e computadores em funcionamento, etc. Os próximos álbums seriam “Trans-Europe Express” (referindo-se à extinta rede de trens alemã), sendo “The Man-Machine” o álbum que inauguraria a identidade “robótica” do grupo. Com faixas como “The Robots” (We’re Functioning AutomaTIK and We’re Dancing MechaNIK!), “Spacelab”, “Metropolis”, “The Model”, “Neon Lights” e “The Man-Machine”, o grupo já assumia o visual tradicional nas apresentações ao vivo – os quatro se apresentavam operando os teclados e sintetizadores no palco como se fossem robôs operando mainframes.

“Computer World” é considerado por muitos como o melhor trabalho do grupo. Faixas como “Computer World”, “Pocket Calculator” (I’m the operator with my pocket calculator! bip-bip bipbipbipbip…), “Numbers”, “Computer Love”, “Home Computer” e “It’s More Fun to Compute” eram verdadeiras declarações de amor dos engenheiros pelas suas calculadoras científicas e computadores pessoais, e com as quais os entusiastas de programação do mundo todo se identificaram num piscar de olhos. Várias faixas foram usadas no Brasil na época em comerciais de escolas de computação e background music de documentários de TV sobre assuntos tecnológicos e científicos.

Com o fim dos anos 70 e início dos anos 80 e o advento da próxima geração de sintetizadores programáveis, vários outros grupos de música eletrônica começaram a despontar pelo mundo, fazendo com que o Kraftwerk ficasse um pouco apagado na emergente nova cena eletrônica. Os próximos álbums “Tour de France” e “Electric Café” passaram quase despercebidos pela avalanche de novos grupos que começavam a ser despejados nas billboards americanas e européias. O grupo ainda existe e faz shows frequentes (abriram um show para o Radiohead no Brasil em março deste ano), e a performace no palco emociona os velhos fãs da banda – os robôs operando mainframes ainda estão lá, imóveis e imortais.

Por quê é essencial?

O Kraftwerk inaugurou a música eletrônica moderna. Conhecer a história do grupo é interessante não apenas do ponto de vista musical, mas também pela paixão dos integrantes (e do povo alemão em geral) pela tecnologia, e como esse grupo usa temas conceitualmente ‘nerds’ como telecomunicações, elétrica, eletrônica, robótica e máquinas pesadas e celebra-os em forma de música.

YKK, (Diário de Compras em Yokohama) também conhecido como Quiet Country Cafe, é um mangá do autor Hitoshi Ashinano, publicado originalmente de 1994 a 2006. A história tem como protagonista a robô Alpha Hatsuseno, que vive em um mundo pós-apocalíptico diferente do que é geralmente retratado em obras que mostram o futuro: ao invés de um ambiente deprimente e decadente, o cenário é caracterizado pela quietude e o calmo dia-a-dia do restante da humanidade, aceitando um passado que talvez nunca retorne e apreciando as pequenas coisas da vida.

O mangá segue um esquema slice-of-life, normalmente mostrando alguma atividade ou fato mundano que acontece na rotina de Alpha. Sendo um robô, ela vive para sempre, e isso dá a ela uma perspectiva diferente das coisas que acontecem ao redor. Pessoas que ela conheceu envelhecem, lugares se alteram, e aos poucos ela mesmo vai mudando, adquirindo uma melancólica e ao mesmo tempo otimista opinião sobre o destino da humanidade.

Por quê é essencial?

Mangá e anime geralmente são tão derivativos que chega um momento em que você cansa de ver o genérico shonen ou o shojo re-remake, mas YKK é uma lufada de ar fresco no meio de tanta coisa igual. YKK se destaca na sua narrativa, apresentando, com uma arte fantástica, um mundo diferente, triste e ao mesmo tempo esperançoso, com um tom saudoso e também resignado. Ao mostrar a fascinação de Alpha com coisas comuns que ela faz ou encontra, como tirar fotografias ou encontrar uma garrafa de refrigerante (um dos resquícios da antiga civilização), o autor cria um clima de calma apreciação pelas coisas do passado e nos dá, em comparação, um ponto de vista diferente até das coisas que experimentamos na nossa rotina diária, como ir às compras, uma tarde bebendo café e o barulho da chuva ao dormir.

Eu recomendo à todos que apreciam uma boa leitura: pessoalmente, acho que é um dos melhores mangás que já li na vida, e não tenho como dizer o quanto gostei. Mas como já disse, YKK é algo raro e original, um mangá diferente em tudo que você já viu, seja em narrativa, ritmo ou apresentação, e, justamente por ser tão único, é de início meio difícil de apreciar. Mas é um ótimo exemplo da capacidade dos mangás, abordando brilhantemente temas não usuais a esse tipo de mídia, e no final, nos deixando com um bittersweet sentimento de nostalgia.

Leia o mangá online (em inglês) aqui: Yokohama Kaidashi Kikou

HDM é uma série do autor inglês Philip Pullman, composta por três livros, Northern Lights (A Bússola Dourada no Brasil), The Subtle Knife (A Faca Sutil) e The Amber Spyglass (A Luneta Âmbar). Eles contam a história de dois protagonistas, Lyra Belacqua e Will Parry em mundos de fantasia misturado com steampunk e ficção científica, aonde bruxas existem, ursos falam, o meio mais rápido de transporte além de vassouras são balões e aonde a idéia de universos paralelos não é apenas teoria.

Por quê é essencial?

À primeira vista, a história parece simples e inocente, quase conto de fadas no início, mas no decorrer da história, conceitos como dæmon, (pequenos animais que são o reflexo da sua alma), a descrição da opressão religiosa por parte da igreja no mundo de Lyra, e o estado decadente da dimensão da cidade de Cittàgazze dão um tom muito mais dark do que o esperado. A série surpreende por contar uma história intrigante e por discutir de modo sutil mas firme o perigo do dogmatismo religioso, nos fazendo questionar toda a idéia por trás do conceito de “Deus”.

Apesas dos temas sérios, os livros conseguem manter uma narrativa otimista levada pela interação da protagonista Lyra e seu dæmon Pantalaimon e pela descrição surreal dos diversos mundos paralelos e seus habitantes, o que oferece uma leitura fácil e engajante. Talvez você seja religioso e se sinta desconfortável com as idéias propostas na série, mas é importante ler com uma mente aberta e no final questionar os conceitos apresentados. Ou talvez que você não ligue para esse lado da história, e queira apenas um bom livro: de qualquer modo, His Dark Materials é uma fantástica série, que nos mostra muitas coisas sobre maturidade, responsabilidade, individualismo, amizade, amor e resignação. É uma das minhas séries favoritas, e aposto que se você der uma chance, também vai gostar.

Curiosidade: No Brasil a série tem o péssimo título de “fronteiras do universo”, o que faz parecer que os livros são sobre Star Trek. O título original, “his dark materials” é uma passagem do poema “Paradise Lost” de John Milton:

His dark materials to create more Worlds,
Into this wilde Abyss the warie fiend
Stood on the brink of Hell and look’d a while,
Pondering his Voyage; for no narrow frith
He had to cross.

Se existe um personagem que pode ser considerado um ícone da era 8-bit além de Mario, esse personagem é Megaman. O primeiro jogoi foi lançado em 1987 pela Capcom e foi um sucesso instantâneo, introduzindo mecânicas originais como a assimilação de armas dos robot masters, liberdade na escolha de estágios e estratégia no uso das diferentes habilidades.

Por quê é essencial?

Megaman, o primeiro jogo, além de ser representativo de eras passadas, foi a peça inicial de uma franquia que persiste até hoje (com over 9000 sequels, apesar da maioria ultimamente ser de qualidade duvidosa). É fácil de ver o porquê do seu sucesso: personagens carismáticos, design de estágios desafiador, e, acima de tudo, algo que eu considero um feito pra época, e que persiste até hoje no recente Megaman 9: controles pixel perfect. Por isso, o game original ainda é jogável até hoje, mas se você faz questão de gráficos mais atuais, o remake pra PSP Megaman Powered Up é uma ótima versão desse grande clássico. Jogue um ou outro, e você terá uma experiência clássica e um dos melhores exemplos de plataforming em games, rivalizando muitos jogos atuais.